borguez

la facile metafora della finestra affacciata a sud-ovest debbo averla già usata su queste pagine; è che trattandosi assai più di una realtà che di un espediente narrativo può accadere di ripetersi, di riaprire quella finestra, di dare aria alla stanza spalancandola di luce verso l’amato Brasile. incontro alla musica di quel luogo tendo sempre, incapace di distaccarmene, paradiso lussureggiante di variegate meraviglie. capita così che dall’agio delle mie stanze lascio che giunga attraverso l’uscio luminoso una nuova delizia, l’inattesa epifania: e il Brasile raramente (mai) mi delude.

Guinga e Quinteto Villa-Lobos Rasgando Seda (Selo SESC, 2012) è l’incontro fra uno dei più grandi compositori di MPB vivente ed il cinquantenario (e storico) quintetto di fiati impegnato da sempre a diffondere la musica da camera brasiliana. il Quinteto Villa-Lobos (Paulo Sergio Santos clarinetto, Luis Carlos Justi oboe, Aloysio Fagerlande fagotto, Antonio Carlos Carrasqueira flauto, Philip Doyle flicorno) incontra la musica di Carlos Althier de Souza Lemos Escobar, assai più noto a Rio ed in ogni dove col nomignolo di Guinga.

da anni la musica di Guinga si muove felina fra la tradizione ed una personale ricerca armonica che dagli esordi come chitarrista per le più grandi voci brasiliane lo ha portato da un paio di decenni ad una carriera come autorevole compositore di musica brasiliana a tutto tondo: dal jazz al choro, e poi il samba ed il baião,  passando per il frevo, la modinha ed il baião. fra le tante collaborazioni ci terrei particolarmente a segnalare quella con il clarinettista Gabriele Mirabassi che diede vita all’indispensabile Graffiando Vento uscito nel 2004 per l’Egea.

questa volta invece è il quintetto a prendere in mano una dozzina di composizioni del compositore carioca per arrangiarle deliziosamente per quintetto da camera: nel farlo hanno approfittato della presenza dello stesso Guinga (anche con la voce in Porta Da Madama) che è sembrato lusingato ed estasiato da cotanta bellezza. siamo trasportati in un tempo incerto e sospeso fra due secoli (‘800 e ‘900) quando l’eccellenza culturale europea incontrò la naturale propensione di questo popolo a fare della musica elemento indispensabile dell’esistenza: da quell’incontro poté nascere l’humus che partorì tutte quelle musiche che incorniciano oggi il Brasile in un presente da cartolina, ma che, a ben voler comprendere, altro non sono che le necessarie prerogative affinché quel paese abbia la più grande tradizione musicale appartenente ad una singola nazione (debbo averlo già detto ma dicono che giovi farlo).

le finestre sono spalancate, la camera arieggiata, la luce entra calda: con questa musica giungono anche profumi, polveri ed effluvi di un tempo che non abbiamo vissuto e per il quale si nutre una incongrua nostalgia. probabilmente così suona la musica di dove si vorrebbe essere quando non si può essere dove si vuole: il ragionamento è un poco capzioso mentre, per fortuna, la musica assai meno. è piuttosto una musica venata di semplicità sebbene costruita con difficoltà e maestrìa: prerogativa di pochi.
a questo cangiante Brasile si tornerà, ma adesso mi godo la quiete della penombra del meriggio. buon ascolto.

e Aloe Blacc? dove si è cacciato?
il suo nome non sarà sfuggito a coloro che salutarono a bocca aperta (e sorridente) l’esordio per la Stone Throw Records di Peanut Butter Wolf: il suo Good Things fu una delle delizie dell’ormai lontano 2010! mi sono messo sulle sue tracce (si sa come fare di questi tempi, e senza neppure muoversi dalla sedia) e con mia gradita sorpresa l’ho scovato sotto le mentite spoglie del progetto Roseaux!
come abbia fatto Emile Omar a coinvolgere Aloe Blacc in questo progetto non è chiaro: ma magari è bastato chiederglielo! e se così fosse i miei complimenti alla non mania di protagonismo del soulman californiano: una carriera in procinto di esplodere e lui mette serenamente la sua voce al servizio di un progetto francese senza neppure pretendere il suo nome a caratteri cubitali.
ma proviamo a mettere un poco d’ordine: Emile Omar è un dj della parigina Radio Nova, ascoltatore onnivoro, ammalato di musica, frulladischi da dancefloor con un piccolo sogno nel cassetto: realizzare un disco a partire da alcune canzoni che porta nel cuore. cova l’idea per più di cinque anni poi infine inizia a coinvolgere nel progetto gli amici musicisti Clément Petit (violoncellista) e il multistrumentista Alex Finkin: individuati i brani prova a coinvolgere Aloe Blacc per dar voce a questa dozzina scarsa di cover. lui accetta ed il progetto Roseaux spunta dal cilindro!

Roseaux nasce in seno alla francese Tot Ou Tard nell’anno 2012: John Holt e i Pearl Jam, Nazaré Peirera ed Esther Phillips, Patty LaBelle ed i Police, il panorama è vario e potrebbe stordire ed un poco depistare. ma si tratta in fondo di cover affidate ad un trattamento acustico da camera, stile grandi incisioni dei ’60: chitarra in punta di dita, contrabbasso, vibrafono, violoncello, un piano, un hammond, poche percussioni, un flauto sono il tappeto morbido su cui la voce serica di Aloe Blacc può volare colma di delizia e di grazia. niente elettronica, niente sensazionalismi, niente collaborazioni strambe: un disco come si facevano fino ad un trentennio addietro, buone canzoni, ottimi interpreti ed una voce a cui affidare la catarsi!

se proprio si volesse davvero trovare un neo ad un disco del genere si potrebbe fare riferimento a quel limbo impalpabile fra le produzioni dall’appeal commerciale e tutto quanto non è mainstream seppur vittima anch’esso di mode passeggere come folate di vento: è lì nel mezzo che si colloca questo disco, forse troppo retro’ per le radio commerciali e privo di tante frivolezze freak/weird/trendy da non piacere a chi alternativo deve esserlo per forza.

eppure io sento profumo di istant classic: un disco soul pieno di blackness e di groove da camera. innamorarsi poi della Strange Days che fu del grande John Holt è un piacere del tutto mio, così come lo è scoprire ad anno appena terminato alcune delizie che mi erano sfuggite. assai piacevole e poi anche giocare a nascondino con Aloe Blacc: buon ascolto.

se non ora, quando?
l’atmosfera kitsch e fasulla di questi giorni ha pur sempre una tradizione musicale di riferimento alla quale, volenti o nolenti, difficilmente si sfugge. tralasciando l’ambito religioso e sacrale (sempre di musica parlo) che sconfina nel secolare, direi che la pop music è piena zeppa di temi natalizi che infestano periodicamente (una volta all’anno) i padiglioni auricolari di noi poveri peccatori (e consumatori).
e dunque, fermo restando che il natale è il 24, debbo però cedere a questa melensa sensazione di ottusa beatitudine a causa di un piccolo disco gracile e delicato che giunge dal Sol Levante e, più precisamente da quella Fukushima ferita e malsana. è lì che nacque nel 1982 Paniyolo del quale parlai allorché mi avvertì che la primavera scorsa era giunta: questa volta il chitarrista giapponese ha preso in mano la sua classica con le corde di nylon per annunziare che il Natale è inevitabilmente imminente, e per farlo si è messo a ripercorrere a modo suo 10 fra i più che classici temi di queste festività.

Paniyolo Christmas Album esce per la nipponica Schole: chitarra classica basilare, qua e la un’acustica per un tenue accompagnamento armonico, un pianoforte saltuario pieno d’ovatta e un vibrafono suonato con due cotton fioc. nessuna rivoluzione, nessun stravolgimento e neppure nulla d’inaudito. uno spirito in bilico fra il didatticamente scolastico, un tocco da bossanovista e qualche tentazione jazz manouche, ma nulla che prenda davvero il sopravvento sopra le più consuete melodie facilmente riconoscibili e di gradevole digeribilità.

propongo di lasciarlo scorrere in loop sotto la carta da regalo che si straccia, come sottofondo fra i brindisi e le posate che sbatacchiano sui piatti o come ninna nanna post prandiale per adulti aggrediti dalla sonnolenza da imbottimento. è perfetta, ne converrete. del resto a queste musiche non viene richiesto un afflato artistico ma semplicemente un ruolo funzionale: inebetire, edulcorare e indurre beatitudine.

ascoltarlo a luglio mi sembrerebbe inopportuno e quindi ribadisco il mio se non ora, quando? una miniatura fragile ed apparentemente inutile, come solo sanno fare i giapponesi: facciamo che sia un mio piccolo regalo (fragile ed apparentemente inutile) da mettere sotto l’albero.
buone cose, a presto

come dicevo nel post precedente, l’altro ieri avrei voluto scrivere d’altro: ma lo posso pur sempre fare oggi. c’è un disco che attendevo pazientemente e che già aveva ottenuto il benestare di un ascoltatore attento di cui seguo da tempo le traiettorie. in più la discreta longevità di questo blog inizia a suscitare languide nostalgie, ricordi e voglia di tornare a parlare di coloro che già una volta suscitarono gioia e bellezza dinanzi al cuore ed alle orecchie di chi scrive.

Ryan Francesoni è tornato con la lieta compagnia di Mirabai Peart, violinista già con lui nella Ys Street Band ad accompagnare Joanna Newsom ed ora compagna di vita e di questo viaggio musicale nell’isola greca di Lesvos (Lesbos). è proprio da un soggiorno nell’isola dell’Egeo che prendono lo spunto queste 7 composizioni strumentali per chitarra e violino. Road To Palios (Bella Union, 2012) è il titolo del lavoro nonché l’indicazione geografica di un itinerario verso un villaggio dell’isola celebre per il suo mare, il suo ouzo e come patria della poetessa Sappho.

non è di musica tradizionale greca che si tratta o perlomeno non nel senso ortodosso (aggettivo) del termine; siamo forse qui in ascolto di un folk interiore che il gusto e la sensibilità di Ryan Francesconi ha generato dall’amore per gli effluvi melodici ed armonici che i balcani, la Turchia e la Bulgaria continuano a sussurrare ai suoi preziosi polpastrelli. è lui stesso a confessare una attitudine misteriosa che lo porta involontariamente a comporre e mescolare la sua tradizione folklorica americana (con studi di musica classico/barocca) con le musiche che scendono dal Mar Nero per bagnarsi nel Mediterraneo risalendo foci ed estuari balcanici.
fin qui (e non è poco) potrebbe sembrare una delle tante infatuazioni che molti musicisti anglofoni si prendono per quelle terre e quelle musiche, ma se parliamo di Ryan Francesconi dobbiamo aggiungere una capacità compositiva al di fuori dell’ordinario unita ad una tecnica chitarristica che ha in scintillante sonorità e perizia “chirurgica” due dardi più unici che rari. un fingerpicking ardito, tablature complesse e accordature aperte rappresentano un talento che assomiglia più all’unico che al raro: intrufolarsi negli ardimenti armonici di Francesconi è ascolto qualche volta persino ostico! sotto l’apparente pastoralità folklorica si celano davvero complesse tele armoniche: è qui che giungono in aiuto (nostro e suo) le linee melodiche del violino di Mirabai Peart a rendere le composizioni a tratti finanche cantabili.

udire spifferi mediorientali o echi di rembetiko non dovrà apparire strano: potrà sembrare di abitare per breve tempo un anfratto del tempo e dello spazio cartografico, ma il disco si colloca di diritto laddove nessun luogo e nessuna terra potrà mai arrogarsi il diritto di paternità di queste musiche. sono patrimonio interiore di Ryan Francesconi e delle sue impervie vie dei canti: mi limiterei a chiedergli di non smettere di errare per i luoghi del mondo e per gli spazi della sua creatività e poi, a lui e anche a noi, augurerei buon viaggio.
…e buon ascolto.

mi ero annotato la data di inizio dicembre per poi puntualmente dimenticarmene, segni senili evidenti del tempo che avanza, il mio. per fortuna fra i frequentatori di questo blog c’è anche qualcuno che mi tira la giacca e mi rammenta uno degli appuntamenti più importanti dell’anno (grazie Sergio).
quarantanovesimo (49) disco in carriera per Caetano Veloso e terzo a chiudere una ipotetica trilogia iniziata con Cê nel 2006 e Zii e Zie nel 2009 assieme alla Banda Cê composta oramai stabilmente da Pedro Sa (chitarra elettrica e basso), Ricardo Dias Gomes (basso e Fender Rhodes) e Marcelo Callado (batteria) con la supervisione oramai necessaria di Moreno Veloso figlio prezioso di cotanto padre.

Abraçaço (Universal, 2012) è il titolo di questo disco. neologismo familiare con la quale Caetano chiude le proprie mail: una specie di rafforzativo caldo della parola abbraccio! ne scrivo mentre il disco continua a scorrere nelle mie orecchie come una assoluta novità. 11 canzoni, 9 autografe, una scritta e cantata assieme a Mauro Lima e una ultima carpita dal canzoniere di Rogério Duarte ed arrangiata da Moreno Veloso (Gayana: meravigliosa!). due doverose e necessarie premesse: chi scrive è fan e non potrà certo fornire un parere imparziale in proposito a qualsiasi canzone uscita dalla penna di Veloso e l’altra è che il disco sto iniziando ad ascoltarlo (e metabolizzarlo) solo ora.

la stessa meravigliosa voce cristallina che il tempo non pare scalfire, un talento melodico innato ed una elettricità che si scansa leggermente rispetto ai dischi precedenti. Caetano ha celebrato quest’anno i suoi 70 e assieme ad essi un equilibrio artistico inimitabile, lo stesso che tenta di racchiudere nei suoi dischi da qualche anno in bilico fra innovazione e tradizione. c’è spazio così per i ritmi della grande tradizione brasileira virati in elettricità e tensione. salta immediatamente all’orecchio per minutaggio e tensione emotiva (anche il titolo muove ancora qualche emozione, non c’è che dire) Um Comunista dedicata all’attivista bahiano Carlos Marighella ucciso dal regime durante la dittatura.

non andrei oltre sbilanciandomi sull’onda dell’entusiasmo, c’è talmente tanto da riascoltare e scoprire lentamente che non merita una qualsivoglia frettolosa recensione. diciamo che la lieta novella di un nuovo disco di Caetano è già quanto di meglio ci si possa attendere di questi tempi e valeva la pena di darne notizia appena giunta fresca di giornata.
pensare che oggi volevo scrivere d’altro…
buon ascolto

molto tempo addietro, sulle pagine di questo blog, annotavo con tristezza la dipartita di quegli artisti che avevano reso migliore il mio tempo. qualche riga, un breve saluto e tanta amarezza. fui tacciato (amichevolmente) di amaro gusto da alcuni conoscenti che non mi fecero mancare le stilettate e le scaramantiche palpazioni inguinali.
così ho smesso (non che fosse un vizio, certo): da allora la scomparsa di qualcuno di vicino (artisticamente parlando) non ha più trovato le mie parole ma solo privata tristezza e muto rammarico. perché non è certo l’assenza di qualcuno di cui conoscevo solo l’espressione artistica a dolere, ma è vedere che un pezzo di quel tempo che ho passato assieme a quella musica, a quel film o a quel libro va a sgretolarsi inesorabilmente. il tempo, il mio tempo, è fatto anche (e soprattutto) di quegli istanti di idillio e catarsi procuratimi dalla musica e da coloro che quella musica hanno pensato, suonato e sognato.
il 2012 è stato anno di grandi perdite (mentre scrivo apprendo della scomparsa di Ravi Shankar). nessuno si preoccupi: non mi metterò a fare lacrimose liste o obituary, piuttosto ricordare uno di questi futuri introducendo un grande disco che il nostro ha registrato pochi mesi prima del trapasso.

Faruq Z. Bey era un sassofonista afroamericano il cui nome non era (forse) noto ai più; un grande musicista spirituale che ha attraversato le grandi stagioni del jazz senza che il suo nome balzasse prepotentemente alla ribalta. dopo diverse vicissitudini sfortunate (salute, accidenti) era riuscito negli ultimi anni a riunire intorno alla propria musica un manipolo di fidati musicisti: i Northwoods Improvisers di Skeeter C. R. Shelton e Mike Carey. una ottima manciata di dischi assieme fino all’agosto del 2011 quando entrano in studio per registrare Primal Waters. Faruq Z. Bey è al tenore e all’alto sax; Mike Carey flauto, clarinetto basso e kalimba; Skeeter Shelton al tenore, all’alto e al soprano; Mike Gilmore vibrafoni e kalimba; Mike Johnston basso e campane, Nick Ashton alla batteria.

il disco esce solo in vinile per la visionaria Sagittarius A-Star nel gennaio 2012: 200 copie in tutto. 4 tracce, due per lato. il primo giugno scompare a 70 anni il leader Faruq Z. Bey gravemente malato e costretto a suonare già da molto tempo con le cannule per l’ossigeno.
il testamento sonoro di Faruq Z. Bey è un disco sornione, pachidermico e pieno di torpore; forse le condizioni di salute del leader, forse quel ritmo seduto che invoglia la quiete ed il sogno, forse entrambe le cose ma di certo l’andamento è da giungla, l’impasto notturno ed odoroso, il suono spirituale. i sei musicisti si muovono lentamente fra miscele africane dettate da kalimba e vibrafono, il basso in piena ipnosi ritmica e sonnolenta ed i sassofoni a fraseggiare nervosi all’unisono o in meditabonda solitudine. il clarinetto basso di Mike Carey al solito lavoro onirico e nasale.
il disco che vi propongo è la versione in cd contenente due brani in più dell’edizione vinilica (Cat and Mouse, Mamaka II). prendetelo come un ricordo di Faruq Z. Bey o forse solo per ciò che è: un pezzo di tempo che passa denso e sensuale, fradicio di bellezza e di grande musica.
buon ascolto.